TARSILA DO AMARAL
O crítico de arte Jacob Klintowitz foi preciso ao afirmar que
Tarsila do Amaral tornou-se o símbolo de um acontecimento do
qual esteve ausente: a Semana de Arte Moderna. Tarsila,
espírito inquieto, despontou à margem da Semana, integrando-se
ao ideário modernista tempos depois, primeiro com obras de
influências nitidamente cubistas e mais tarde com as estranhas
figuras da chamada fase antropofágica. Suas ligações com a arte européia, em todos esses momentos,
são fortíssimas, mas Tarsila conseguiu, apesar disso,
incorporar um espírito de encantadora brasilidade ao seu
trabalho.Tarsila do Amaral nasceu em 1886, na Fazenda São Bernardo, em
Capivari (SP). De família rica, teve uma infância paradoxal:
moradora de fazenda, crescendo entre bichos e plantas, vivia
simultaneamente um cotidiano de menina rica: tudo o que sua
família usava - roupas e utensílios – vinha diretamente da
Europa. Cresceu aristocrática em meio a paisagens simples e
gente humilde.
Seu amor à arte iniciou com a família, em saraus domésticos em
que a mãe tocava piano e o pai lia poemas em francês. Aos 16 anos foi estudar em Barcelona, na Espanha, onde
literatura e desenhos passaram a fazer parte de sua vida.
Voltou para o Brasil em 1906, a fim de casar-se com o marido
que sua família escolhera. União que se revelou infeliz dada a
diferença cultural gritante entre os cônjuges. Do casamento
fracassado – mais tarde anulado - teve uma filha: Dulce. A essa altura, uma decidida Tarsila já emergira e agora se
esforçava para seguir a vocação para a pintura. No início de
seus estudos artísticos, com os escultores Zadig e Mantovani, e
com o pintor Pedro Alexandrino, não havia ainda os sinais do
que ela viria a ser. Eram somente naturezas mortas e
paisagens, ainda muito distantes de seu surto criativo em
outros momentos.
Depois disso fez uma rápida passagem entre os impressionistas e
em 1920 seguiu para a França, onde freqüentou a Academia
Julian, e o atelier do retratista Émile Renard. Algumas de
suas pinturas desse período apontam influências de Renard,
então um artista da moda: tons de cor desmaiados, com
predomínio do azul. Esses também muito distantes da arte que
ela viria a construir, mas já se pode verificar nessas telas a
promessa do que viria futuramente sob as formas simplificadas e a
iluminação particular.
Em 1922, Tarsila se considerava vitoriosa: estava expondo no
Salão dos Artistas Franceses, em Paris. É o ano em que pintará
A Espanhola (Paquita), mas ainda não ousava altos e
novos vôos estéticos. Retorna ao Brasil no Massilia, navio de
luxo, quatro meses depois da efervescência da Semana de Arte
Moderna. A amiga e também pintora Anita Malfatti a apresenta a
amigos intelectuais vanguardistas e que participam da Revista
Klaxon: Oswald, Mário, Menotti Del Picchia, Sérgio Buarque de
Holanda, Graça Aranha. Devidamente identificada com o ideário
modernista, envolve-se afetiva e artisticamente com os novos
amigos. Sua beleza física impressionava a todos nos salões
elegantes e nos círculos intelectuais.
Com Oswald, Menotti, Mário de Andrade e Anita Malfatti, compõe
o chamado Grupo dos Cinco, que teve vida curta. No final de
1922 ela decide voltar para Paris, mas havia um Oswald no meio
do caminho. Esse homem impetuoso, apaixonado e um mestre da
ousadia a seguiu pela Europa e teve com ela mais que um
casamento. Fizeram uma parceria intelectual poderosa em que um
alimentava a arte do outro. Em 1923, Tarsila passa a travar
contato com mestres cubistas, entre eles Picasso, Fernand
Léger e André Lothe. De Léger guardará influências que serão
visíveis em muitos dos seus trabalhos. Nesse período conhece
artistas do porte de De Chirico, Stravinsky, André Breton e Blaise
Cendrars.
Suas telas estão nitidamente cubistas, mas impregnadas de uma
brasilidade que se manifesta sobretudo nas cores, que Carlos
Drummond tão bem definiu: “O amarelo vivo, o rosa violáceo, o
azul pureza, o verde cantante”.
Em 1924, depois de uma viagem feita com Oswald e Blaise
Cendrars às cidades históricas de Minas Gerais, atirou-se a
uma pintura que Sérgio Milliet definiria assim: “Cores ditas
caipiras, rosas e azuis, as flores de baú, a estilização
geométrica das frutas e plantas tropicais, dos caboclos e
negros, da melancolia das cidadezinhas, tudo isso enquadrado
na solidez da construção cubista”. É a fase Pau-Brasil
registrando cidades, paisagens e tipos comoventemente
brasileiros.
Em 1928, há dois anos casada com Oswald de Andrade, a união Tarsiwald
produz ousadias. Ela decide dar ao marido um inusitado
presente de aniversário: pintar um quadro “que assustasse o
Oswald, uma coisa que ele não esperasse”. Nasce então o Abaporu,
figura monstruosa de cabeça pequena, braço fino e pernas
enormes, tendo ao lado um cactus cuja flor dá a impressão de
ser um sol. Ao ver tal imagem, Oswald realmente se assusta.
Acha a composição extraordinária, selvagem: “Uma coisa do
mato”.
O poeta Raul Bopp, chamado a ver a
proeza, concorda com a avaliação. Tarsila foi na esteira e resolveu
dar um nome também selvagem ao quadro: Abaporu, palavra
encontrada no Dicionário de Tupi-Guarany de Montoya, e que em
língua indígena significa “antropófago; homem que come carne
humana”. A partir dessa obra – até hoje a mais valiosa da arte
brasileira e atualmente fazendo parte da coleção do argentino
Eduardo Constantini - se constitui a fase dita por isso mesmo
antropofágica de Tarsila. Oswald elabora o Movimento
Antropofágico, com direito a manifesto e à Revista de
Antropofagia. A pintura de Tarsila cresce. As formas
volumosas, as cores exuberantes, um quê de Brasil autêntico
desafiando tudo o que se via na pintura de então.
1929 foi um ano trágico. Afetiva e socialmente. O crash
da Bolsa de Nova York resultou na perda de sua fazenda. E o
casamento com Oswald – notório mulherengo – também acabou-se.
A última fase artística de Tarsila resultou de sua viagem à
União Soviética em 1931. Voltou marcada pelo que observou, em
especial o drama operário e a miséria das multidões. Ë nessa
época que surgem obras-primas como Operários e 2a Classe. Fase de alto engajamento, em que chegou a ser presa por causa de suas idéias políticas.
Os quadros de sua chamada fase social
registram dores imensas, estampadas em figuras miseráveis,
injustiçadas. Opressão, desigualdade e rostos desarvorados invadem
suas telas.
Depois disso, Tarsila não mais inaugurou novas experiências:
limitou-se a revisitar as fases anteriores, concentrando-se em
temas como folclore e religião Sua última grande obra — o
mural Procissão do Santíssimo em São Paulo no Século XVIII, é de 1954.
Morreu a 17 de janeiro de 1973, aos 86
anos deixando pouco mais de duas centenas de quadros, alguns
desenhos e esculturas. É relativamente pouco, mas fundamental
para uma busca que prossegue até hoje: a consolidação de uma
pintura nacional.
Algumas obras de Tarsila do Amaral:
Nenhum comentário:
Postar um comentário